VACANT ROOMは、勝間田万綾と町田結香による二人展「Layer：Filter」を、前期（11月15日–11月30日）と後期（2025年12月4日–12月14日）の二部構成で開催いたします。 本展は、ポートレイトを主題とする二人の実践を通し、視覚認識に内在する可塑的な多層構造に焦点を当て、視覚を介して生成される〈像〉の不確かさと、その背後に潜む主体（自己）の揺らぎを可視化する試みです。 視覚認識は環境や文脈との相互作用の中で絶えず変容し、〈視る者／視られる者〉の主客関係もまた、社会学者C・H・クーリーの提唱した理論「鏡に映った自己（looking-glass self）」に示されるような、互いに反照し合う構造の上に成り立っています。 この視覚と主体性の関係は、古くから美学や現象学における中心的な問題系として論じられてきました。本展は、現代の絵画実践を通してこの問題をあらためて提示し、視覚経験の生成原理について新たな視点から再考します。 勝間田万綾は、外向きではなく、より個人的な装いである 寝巻き を身に着けた女性を描くことで、社会的に理想とされるイメージから外れた女性像を表します。女性像とその他モチーフ、背景はそれぞれ分離され、レイヤーとして画面内に再構築されていきます。このレイヤー化はモチーフを「そこに存在しているもの」から「画面の中の虚像」へと変化させる試みであり、我々が得ている情報の一過性と、虚像が与えるイメージの残留性を表現しています。 また、実在する人物を参考に描くことで、画面内によりパーソナルな空間を提示しており、それぞれの表情には抵抗や虚無など「見られる側」である立場としての葛藤を内包させています。女性像のレイヤーは収縮された状態であり、支持体という枠組みやその中での閉塞感をより強く感じられるようにしています。女性像を囲む余白は、擬似的な額縁としての役割も担っており、物理的な額縁の本来の目的である作品保護や装飾的な演出の排除、つまり「見られる側」の立場への抵抗・脱却を試みています。 本展示のために描いた女性像は、スポットライトを思わせる強いライティングの中に置かれており、人物に映る鮮明な陰影、光とのコントラストは「自己と他者」「内と外」などの二元性も表現しています。単なる写実表現に留まらず、それそのものが意味を宿す、モチーフとしての影に着目した作品群となっています。 町田結香の人間観は、不完全な“動物としての人間”の姿が根底にあります。学生時代から一貫して視線の定まらない人物を描き続けており、それは確信の持てないものへの漠然とした不安を可視化するためです。不安によって引き起こされる反応はどこか滑稽にも見えますが、その中にこそ人間の本能的な部分が垣間見えると感じています。 近作に描かれる現実離れした色彩や形状の人物は、私たちがそれぞれに築いてきた“偏見”の存在を示唆しています。その言葉には否定的な響きがありますが、町田が描くそれに善悪の区別はありません。育った環境や人間関係の中で自然に形成される「自分だけの価値観」は、すべて個人の経験や思考に基づいた偏った見方──すなわち“偏見”だと捉えます。 この一点物の歪な層を隔てて他者を見れば、相手の形や色は実際とは異なって見えるでしょう。そうした他者からの偏見が幾重にも重なり合うことで、私たちは自分という存在の輪郭を得ていきます。虚構（偏見によって形作られた自分の姿）が真実（自分のみ知る本当の自分）のように立ち上がる──その関係性の複雑さを、新たな人物表現として描き出します。 レイヤー状に分解・再構成された勝間田の女性像は、視覚イメージがもつ虚構性と、鑑賞者のまなざしによって生じる客体化の問題を提示します。一方、町田の歪められた人物像は、主観的な偏向や認識のフィルターを通して形成される自己像として、視覚認識とアイデンティティに関わる内面的な問いを浮かび上がらせます。 視覚を介して得られるイメージは、決して一義的な実体ではなく、時間的にも空間的にも脆く不確かなものであり、それを視る主体もまた常に揺らぎ続ける存在です。本展は、この事実をあらためて意識化し、イメージが成立する構造そのものを根源的に問う場となることを目指します。 VACANT ROOM is pleased to present the two-person exhibition Layer : Filter, featuring works by Maaya Katsumata and Yuka Machida, on view in two phases: the first from November 15 to November 30, and the second from December 4 to December 14, 2025. Through the shared theme of portraiture, this exhibition focuses on the plastic and multilayered structures inherent in visual perception. It seeks to visualize the uncertainty of the “image” generated through sight, and the subtle oscillation of the subject (the self) that lies behind it. Visual recognition is never static; it constantly transforms through interaction with its environment and context. The relationship between the seer and the seen is thus established as a reversible structure, resonating with sociologist C. H. Cooley’s theory of the “looking-glass self.” The correlation between vision and subjectivity has long been a central problem in aesthetics and phenomenology. Through the practices of these two painters, the exhibition revisits this inquiry and examines the generative structure of visual experience itself. Maaya Katsumata portrays women in nightwear—an intimate rather than public form of dress—to depict figures that deviate from socially idealized images of femininity. The female figure, other motifs, and background are separated and reconstructed on the canvas as layered planes. This stratification transforms the motif from something that “exists” into a “fictional image within the frame,” evoking both the transience of information and the lingering residue of illusion. Drawing from real individuals, Katsumata introduces a personal psychological space, where each expression embodies resistance, emptiness, or the conflict inherent in the position of being seen. The compressed composition intensifies a sense of confinement within the pictorial framework, while the surrounding void acts as a pseudo-frame—rejecting the decorative and protective function of a physical frame, and attempting to escape or resist the role of the “viewed.” The female figure painted for this exhibition is placed under a spotlight-like illumination; the sharp chiaroscuro and contrasts of light and shadow articulate dualities such as self and other, inside and outside. Beyond realism, the shadow itself becomes a motif that embodies meaning—a surface manifestation of psychological and perceptual tension. Yuka Machida’s vision of humanity is grounded in the image of the imperfect “human as animal.” Since her student years, she has depicted figures whose gazes drift without focus, visualizing the vague anxiety that arises from uncertainty. The reactions produced by such anxiety may appear absurd, yet within them she perceives glimpses of instinctual human truth. The unreal colors and forms in her recent works suggest the presence of individual prejudices—perceptual distortions shaped by personal history. Though the term “prejudice” often carries a negative tone, Machida approaches it without moral dichotomy. The personal values formed through upbringing and relationships are, for her, simply subjective filters—each a unique distortion through which reality is perceived. Seen through these layers, others appear in altered shapes and hues. The accumulation of such perspectives from others gradually defines the contours of one’s own self. Fiction—the self constructed through others’ prejudices—emerges as though it were truth, revealing the fragile boundary between interior and exterior identity. Her portraits thus explore the complex reciprocity between perception, self-image, and the gaze of the other. Katsumata’s layered female figures expose the fictive nature of visual imagery and the problem of objectification engendered by the gaze. Machida’s distorted figures, conversely, reveal how subjective bias and perceptual filters shape self-recognition and identity. The images perceived through vision are never singular or stable; they are temporally and spatially fragile, and the subject who perceives them is equally unstable. Layer : Filter invites reflection on this fundamental condition, offering a space to reexamine the very structure through which visual images and the self come into being.